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La pintura "La salvación de Arsinoe" fue pintada por el pintor veneciano Jacopo Tintoretto en 1555-1556. Actualmente está almacenado en Dresde. No se sabe con certeza qué llevó a Tintoretto a recurrir a la figura de Arsinoe y convertirla en el personaje central de la trama, aunque solo sea porque todavía no está del todo claro qué tipo de Arsinoe está en cuestión.

Valentin Serov fue un destacado maestro de los animales. La mayor parte de la atención en sus obras la prestó a la imagen de los caballos. Podemos ver estos animales en casi todas las pinturas del gran artista ruso. A pesar de que el trabajo se llama "George el Victorioso", la figura principal de actuación es el caballo.

La pintura pertenece a la obra madura del gran artista ruso Nikolai Konstantinovich Roerich. Siendo un hombre con diversos intereses, el maestro viajó mucho por el mundo, estudió filosofía y religión. Un lugar que más le gustaba. Este lugar se ha convertido en una colorida India. Roerich vivió allí durante muchos años hasta su muerte.

Una de las pinturas más penetrantes del genio del paisaje ruso tiene una datación inexacta de la creación: aproximadamente 1885. Polenov representó el lago Tiberíades (Genisaret) más de una vez, el pintor dedicó varias pinturas del ciclo del Evangelio a este lugar. Visitó el área en Palestina cuando viajó por primera vez a países orientales.

AMANECER. SUEÑOS COLOREADOS. La imagen lleva una increíble energía alegre y está saturada de muchos significados. Los colores brillantes deleitan la vista, crean una atmósfera de ligereza y bondad del momento. Lo primero que llama la atención del espectador es la habitación, bañada por los rayos del sol de la mañana, que parecen resaltar los sueños secretos y más íntimos de las heroínas de esta imagen artística.

Esta imagen es un ejemplo de cómo el arte a veces es capaz de resolver problemas globales. La obra de Peter Paul Rubens "Alegoría de la guerra y la paz" fue ordenada al artista por el rey español para un regalo al rey inglés. El tratado de paz entre España e Inglaterra se firmó en gran parte debido a la representación talentosa del artista de la incorrección de la guerra.

La pintura de Jerome Bosch, pintada a fines del siglo XV, abre una puesta en escena para que el espectador se encuentre con Jesucristo y Poncio Pilato frente a una multitud furiosa. Jesús es representado como demacrado y lisiado por el látigo del látigo, y con una corona de espinas en la cabeza. Una multitud que exigía la ejecución de un "falso profeta", en opinión de Bosch, se suponía que representaba un monstruo grande, de muchas cabezas, malvado y feo con caras apagadas y miradas sin sentido. , además, como un carnaval inactivo beau monde.

Venus es la diosa de la belleza y la juventud. Theodosius Shchedrin creó esta escultura, con la intención de transmitir su idea de la belleza femenina. Una mujer, presentada en forma de escultura, sorprende al espectador con la suavidad y precisión de sus formas. La construcción de su figura se caracteriza por la suavidad y la ondulación, y la postura en la que se encuentra está asociada a la calma y al ocio.

La figura de la mesa está hecha de oro con una ligera adición de esmalte. En apariencia, el salier se parece más a un ataúd que a una estatuilla ordinaria. En altura, la figura alcanza los 26,3 centímetros y el ancho: 33,5 centímetros. Cuando Ippolito d 'Este ordenó un salero de Cellini, el maestro inmediatamente tuvo la idea de crear una figura que implicara la unión del mar y la tierra, debido a que nace la sal.

La imagen está basada en la tradición del Antiguo Testamento. Todo sucede en Babilonia cuando los judíos gobernaban allí. Una mujer de un acaudalado residente local, Yakim, se convirtió en objeto de fantasías eróticas de dos viejos hombres. Para obtener lo que querían, los ancianos instalaron una hermosa trampa en el jardín, donde generalmente se bañaba sin el acompañamiento de los sirvientes.

El lienzo fue encargado por la aristocrática familia Cavaletti como imagen del altar de la capilla de la iglesia familiar en Sant'Agostino en Roma. La imagen fue pintada en dos etapas con una ruptura debido a un conflicto con un notario público que se opuso a la amada del maestro posando para la imagen de María. Después de un tiempo, el artista volvió a su monumental obra y la completó.

1884. La pintura muestra una escena de género doméstico. La trama del trabajo se toma de la vida: la escena del juicio, Makovsky vio durante el viaje a la provincia de Oriol. En primer plano, dos: un simple campesino y un representante del gobierno, un juez de paz. Un joven frente a la mesa del juez, aparentemente el acusado en un caso civil.

El icono de la Última Cena de Andrei Rublev pintado en 1425-1427 se conserva actualmente en el Monasterio de la Trinidad y Sergio y es uno de los representantes más brillantes de la pintura de iconos rusos. Una mesa ovalada decorada en tonos amarillentos con pequeñas rayas de espacios blanquecinos, que Al acercarse a los bordes de la mesa, se convierte en un color blanco puro.

Paul Cezanne fue un famoso impresionista. Su obra "La casa del hombre colgado" tiene un solo objetivo: causar una cierta impresión en el espectador. Basado en el título de la obra, queda claro que la imagen debe ser repulsiva. A nadie le gusta mirar una obra en cuyo nombre se cifra la muerte.

La pintura data de 1940, está almacenada en uno de los museos belgas.Rene Margitt es conocido en los círculos artísticos como el autor de pinturas misteriosas y misteriosas. Deben considerarse mucho y con cuidado para ver el significado real, a veces profundamente oculto, del lienzo. La clave de la "criptografía" de Margitt son las palabras de Herbert Reed, quien consideraba al artista como un maestro de la imagen de algo inexistente, imágenes y pinturas que viven solo en las extrañas fantasías del autor.

Peter Paul Rubens vivió y trabajó en el Renacimiento y el Barroco. La característica principal de esta época fue la popularización del arte del mundo antiguo. Es por eso que en esta imagen vemos la imagen de la antigua diosa romana del amor y la belleza: Venus. La forma central de trabajo es, por supuesto, la propia Venus.

Entre la belleza y la artesanía únicas de las imágenes femeninas, la imagen de Ekaterina Nikolaevna Orlova, perteneciente al pincel de Fedor Rokotov, no ocupa el último lugar. El artista se hizo famoso, entre otras cosas, por su habilidad inimitable para pintar un retrato íntimo de un personaje, notar sutilmente su psicología, mostrar experiencias profundamente ocultas y cuidadosamente ocultas y un cambio evasivo de emociones.

Cada artista es un estudiante de toda la vida. Todo el tiempo tienes que aprender a representar nuevos ángulos, objetos inusuales. Pero lo más difícil siempre se le da la imagen de las personas. Este trabajo del artista francés Georges-Pierre Seurat es una vívida confirmación de esto. Este trabajo ha estado almacenado durante muchos años en una colección privada, pero no se puede llamar una imagen que la gente siempre admire.

Nicholas Roerich fue un artista muy talentoso que pintó incansablemente. En su último día, trabajó precisamente en la pintura "Orden del maestro". Anteriormente, en 1927, Roerich ya había escrito la obra "Decreto del maestro", pero después de 20 años, el maestro reconsideró lo que había escrito y cambió la versión original.

Esta es una pintura al óleo en el estilo prerrafaelita, creada en 1903 por John William Waterhouse. La pintura se llama "Northwind" en honor al dios griego del viento del norte, y representa a una niña, arrastrada por el viento. Se puso a la venta a mediados de la década de 1990 después de que se perdió durante 90 años, lo que causó una verdadera sensación en el arte. comunidad.